Nosferatu (2024)

Robert Eggers retoma uno de los grandes mitos del cine de terror para reconstruirlo desde una sensibilidad marcada por el detalle histórico, la fatalidad romántica y la opresión atmosférica. La historia sigue a Ellen y Thomas Hutter, un matrimonio atrapado en una cadena de deseo, enfermedad y superstición cuando Thomas viaja para cerrar un negocio inmobiliario con el enigmático conde Orlok.

Lo que empieza como una gestión profesional se convierte pronto en una entrada al territorio de lo maldito. Orlok no aparece solo como un depredador, sino como una presencia que parece haber estado aguardando durante años una conexión íntima con Ellen. La película acentúa así la dimensión obsesiva y casi ritual del mito vampírico, vinculando el cuerpo, la culpa, el sueño y la muerte.

Mientras la amenaza se extiende desde Transilvania hasta la ciudad alemana donde viven los protagonistas, el relato se llena de signos de decadencia: plaga, sombras, insomnio, animales inquietos y una sensación de condena que desborda cualquier explicación racional. Médicos, sabios y escépticos intentan responder al avance del horror, pero la verdadera batalla se juega en el terreno del sacrificio, el deseo y la voluntad.

Con una puesta en escena de gran densidad visual, la película no busca simplemente actualizar un clásico, sino recuperar el espesor enfermizo y espectral de una historia sobre el amor como puerta de entrada a la destrucción.

Nosferatu confirma a Robert Eggers como uno de los cineastas contemporáneos más coherentes cuando se trata de construir mundos cerrados sobre sí mismos. Su nueva incursión en el horror no se limita a rehacer un clásico venerado: lo examina, lo contamina con la novela de Stoker y lo devuelve transformado en una experiencia de densidad visual y emocional muy poco común en el cine de género reciente. Aquí no hay voluntad de modernizar el mito para hacerlo más accesible, sino de hundirse aún más en su oscuridad.

Lo primero que impresiona es la atmósfera. Eggers y Jarin Blaschke convierten cada encuadre en una superficie corroída por la enfermedad, el deseo y la superstición. La luz parece siempre insuficiente, como si el mundo estuviera perdiendo energía a medida que Orlok avanza. Los interiores respiran humedad, madera vieja, tela pesada y encierro; los exteriores tienen una cualidad casi funeraria. Es una película que entiende que el terror no depende solo del sobresalto, sino de la sensación de que toda la realidad se ha inclinado hacia la pesadilla.

Bill Skarsgård compone un Orlok imponente y degradado, menos pensado como icono glamuroso que como encarnación de una corrupción antigua. Su presencia pesa incluso cuando no ocupa el centro del plano. Hay en él una materialidad desagradable, una fisicidad casi pestilente, que devuelve al vampiro su dimensión de amenaza corporal. Frente a esa figura, Lily-Rose Depp encuentra una intensidad notable. Ellen no es solo víctima ni simple objeto de deseo: es el corazón convulso de la película, el lugar donde se mezclan pulsión, terror, erotismo y sacrificio.

Nicholas Hoult aporta vulnerabilidad y desconcierto a Thomas Hutter, atrapado entre la ambición social y la destrucción íntima. Willem Dafoe, por su parte, dota al profesor von Franz de un extraño equilibrio entre sabiduría excéntrica y gravedad. Eggers sabe utilizar a sus intérpretes dentro de un sistema muy controlado, donde el gesto, la dicción y el movimiento parecen formar parte de un ritual escénico más amplio.

La película destaca también por su forma de entender el material de origen. No se limita a copiar la silueta del Nosferatu de Murnau ni a citarlo desde la reverencia. Prefiere tensar la relación entre el original, la sombra de Drácula y sus propias obsesiones autorales. El resultado es una obra que se siente clásica en su imaginación visual, pero moderna en la manera de abordar la sexualidad, la vulnerabilidad y la compulsión destructiva que une a Ellen con Orlok.

Puede discutirse si la película se recrea demasiado en su solemnidad. Eggers no teme la lentitud ni el exceso atmosférico, y eso puede resultar abrumador para quienes esperen un relato más ágil o más explícitamente narrativo. Pero esa densidad forma parte de su apuesta. Nosferatu quiere que el espectador se someta a un estado de malestar sostenido, casi litúrgico, donde el miedo entra por acumulación y no por estallido.

Lo admirable es que esa estrategia funciona. La película no solo impresiona por su acabado técnico, sino por la seriedad con la que se toma su universo moral y emocional. Hay en ella una tristeza viscosa, una conciencia de la muerte y del deseo como fuerzas inseparables, que la sitúa por encima de la mayoría de ejercicios de prestigio gótico. Nosferatu no revive un cadáver célebre: le devuelve la capacidad de infectar.