La letra escarlata (1995)

La letra escarlata adapta con amplia libertad la célebre novela de Nathaniel Hawthorne y traslada al cine la historia de Hester Prynne, una mujer que llega a la colonia puritana de Massachusetts y termina enfrentándose a la vigilancia moral de toda la comunidad. Mientras espera el regreso de su marido, dado por desaparecido, Hester inicia una relación con el reverendo Arthur Dimmesdale, un vínculo amoroso que desemboca en embarazo y escándalo público.

Marcada con la famosa letra “A” como castigo ejemplar, Hester se convierte en símbolo de deseo, culpa y resistencia dentro de una sociedad gobernada por el dogma. El regreso de su marido, que adopta una identidad vengativa, intensifica el conflicto y desplaza la historia hacia un triángulo en el que la pasión romántica convive con la represión religiosa y el castigo social.

La película de Roland Joffé no busca una traslación literal del texto, sino una relectura más sensual, aventurera y melodramática. Ese enfoque altera sustancialmente el tono de la obra original, pero mantiene algunos de sus ejes centrales: la hipocresía moral, la culpa interiorizada y la exposición pública del pecado. El resultado es una versión polémica, visualmente cuidada y muy discutida por su distancia respecto al clásico literario en el que se inspira.

La letra escarlata de Roland Joffé es una de esas adaptaciones que conviene juzgar desde una doble perspectiva: como película en sí misma y como reinterpretación de una obra canónica. El problema es que, en ambos frentes, su rendimiento resulta muy desigual. Como traslación del universo de Nathaniel Hawthorne, la distancia es tan grande que la película parece preferir el prestigio del título a la complejidad moral de la novela. Como melodrama histórico autónomo, en cambio, ofrece algunos elementos de interés, aunque nunca termina de ordenar del todo su ambición.

Joffé filma con convicción visual. Hay oficio en la reconstrucción de época, en el trabajo de fotografía de Alex Thomson y en la voluntad de dar densidad física al entorno puritano. El bosque, el barro, la madera, la niebla y los interiores sombríos componen un paisaje opresivo que intenta traducir en términos visuales el peso del dogma. También la partitura de John Barry aporta un tono solemne, casi elegíaco, que por momentos eleva el conjunto por encima de su escritura más discutible.

Demi Moore afronta a Hester Prynne desde una energía desafiante que encaja con la idea de una heroína más moderna y afirmativa. No es una interpretación desdeñable; de hecho, funciona mejor cuando el filme le permite ocupar la escena como mujer cercada por una comunidad obsesionada con disciplinar el deseo. Gary Oldman aporta intensidad a Dimmesdale, y Robert Duvall, incluso dentro de un material excesivo, sabe imprimir amenaza y resentimiento a su personaje. El problema no está tanto en los actores como en un guion que sustituye el conflicto moral sutil por una acumulación de énfasis románticos y giros de aventura.

La gran objeción a la película es su tendencia a convertir una novela de ambigüedades, culpa y represión en un drama histórico más enfático que reflexivo. Hawthorne construía una atmósfera de vergüenza pública, secreto íntimo y complejidad simbólica. Aquí, buena parte de esa densidad se transforma en una narración más exterior, más explícita y mucho menos inquietante. No es que una adaptación deba ser literal para ser valiosa; el problema es que esta rara vez encuentra un equivalente cinematográfico a la profundidad moral que abandona.

Aun así, sería simplista reducirla a mera “traición”. Hay momentos en los que la película apunta a una lectura interesante sobre el cuerpo femenino como territorio de castigo social y sobre la violencia ideológica de las comunidades cerradas. También posee una extraña energía de superproducción romántica de los noventa que la vuelve curiosa, incluso cuando desbarra. Esa mezcla de respeto reverencial por el decorado y libertad agresiva con el texto original es, a la vez, su mayor rareza y su mayor problema.

En conjunto, La letra escarlata deja la impresión de una obra fallida pero no del todo inerte. Tiene empaque visual, intérpretes de peso y una premisa poderosa, pero diluye casi todo eso en una adaptación que simplifica aquello que hacía memorable al original. Más que escandalosa, resulta reveladora de un cierto modo industrial de acercarse a los clásicos: conservar el prestigio del nombre mientras se altera radicalmente su pulso interior. Como película, se deja ver. Como Hawthorne, casi nunca aparece.