María Callas (2024)

En el París de 1977, Maria Callas vive retirada entre la fragilidad de su salud, la disciplina que una vez sostuvo su voz y los ecos de una gloria que todavía pesa sobre cada gesto. La gran diva de la ópera atraviesa sus últimos días rodeada por un pequeño círculo de personas fieles, mientras intenta decidir si aún queda en ella algo de aquella artista capaz de dominar los escenarios más exigentes del mundo.

La película se adentra en su intimidad como si observara un teatro vacío después de la función. Entre ensayos, conversaciones y silencios, Maria revive episodios decisivos de su carrera, su relación con Aristóteles Onassis y la forma en que la fama, el deseo y la exigencia artística fueron estrechando su mundo. El pasado aparece no solo como recuerdo, sino como una presencia constante que interfiere en su percepción del presente.

Lejos de construir un relato biográfico convencional, la historia combina realidad, memoria y ensoñación para mostrar a una mujer que intenta conservar el control de su propia imagen cuando todo a su alrededor parece desmoronarse. El mito público y la persona privada se enfrentan en un espacio cada vez más frágil.

Así, María Callas se convierte en el retrato melancólico de una artista irrepetible, atrapada entre la necesidad de volver a cantar, el peso emocional de su biografía y la conciencia de que la voz, quizá, ya pertenece más al recuerdo que al futuro.

Pablo Larraín vuelve a acercarse a una figura icónica femenina desde la grieta, no desde el monumento. En María Callas no busca levantar una biografía al uso ni una cronología de grandes hitos, sino capturar el temblor íntimo de una mujer que fue devorada en parte por su propia leyenda. Esa decisión, que puede desconcertar a quienes esperen una reconstrucción clásica, es precisamente la que otorga al filme su mayor personalidad: convertir los últimos días de la soprano en un espacio mental donde la memoria, el deseo y la decadencia conviven casi sin fronteras.

La interpretación de Angelina Jolie sostiene la película con una mezcla de fragilidad, distancia y concentración emocional muy medida. No intenta imitar de forma superficial a Callas ni convertirla en una caricatura del sufrimiento refinado. Su trabajo se apoya más bien en la contención, en las pausas, en la mirada y en la forma en que el cuerpo parece debatirse entre el orgullo de la diva y el agotamiento de la mujer. Es una actuación pensada para ser observada de cerca, llena de pequeños matices, y esa escala íntima encaja muy bien con la propuesta de Larraín.

El director chileno demuestra además una vez más su habilidad para filmar la nostalgia sin caer del todo en la complacencia. La película posee una belleza visual innegable, cuidadosamente compuesta, con encuadres que transforman apartamentos, teatros y habitaciones en prolongaciones del estado emocional del personaje. La fotografía de Edward Lachman contribuye de forma decisiva a esa atmósfera entre el ensueño y la ruina, con una textura que remite al prestigio del pasado y al mismo tiempo subraya su descomposición. Todo está concebido para que la imagen tenga un peso dramático equivalente al de la palabra.

Ese refinamiento visual, sin embargo, también marca el principal límite de la obra. Hay momentos en los que María Callas parece más fascinada por la idea de la tragedia que por su herida concreta. El tono ceremonioso, la voluntad constante de estilización y cierta repetición emocional pueden enfriar la experiencia para parte del público. La película no siempre profundiza con la misma intensidad en los conflictos que insinúa, y por momentos parece preferir la evocación a la exploración. Eso no la invalida, pero sí la sitúa en un terreno menos inmediato y más contemplativo.

Aun así, el conjunto conserva una fuerza indudable. Larraín entiende que las figuras históricas más conocidas suelen esconder sus zonas más humanas bajo capas de representación, y aquí trata precisamente de desmontar ese artificio con herramientas igualmente teatrales. El resultado es una película elegante, melancólica y a ratos hipnótica, que encuentra en su protagonista una presencia magnética y en su puesta en escena una sensibilidad muy precisa. No es una obra redonda ni la más accesible del director, pero sí un retrato sugestivo sobre el precio del genio, la soledad del ícono y el instante doloroso en que el pasado empieza a sonar más fuerte que el presente.