Rock of Ages (La Era del Rock) (2012)

Ambientada en el Los Ángeles de 1987, Rock of Ages sigue el cruce de caminos entre Sherrie Christian, una chica llegada desde Oklahoma con la ilusión de convertirse en cantante, y Drew Boley, un joven que trabaja en el mítico Bourbon Room mientras espera su oportunidad sobre el escenario. En una ciudad dominada por neones, cuero, guitarras eléctricas y excesos, ambos encuentran en la música una forma de imaginar una vida mejor y de construir una historia de amor entre conciertos, ensayos y noches interminables.

La aparente fantasía romántica se complica cuando el Bourbon Room, templo del rock en Sunset Strip, atraviesa graves problemas económicos y necesita un gran espectáculo para evitar el cierre. La llegada de Stacee Jaxx, estrella desatada y egocéntrica del hard rock, altera el delicado equilibrio del local y desencadena una cadena de malentendidos, ambiciones y decisiones precipitadas. Al mismo tiempo, una cruzada moral encabezada por Patricia Whitmore amenaza con barrer de la ciudad todo aquello que representa la cultura rockera.

Entre oportunidades traicioneras, transformaciones inesperadas y canciones emblemáticas de los años ochenta, la película mezcla romance, comedia y espíritu musical para retratar una época de excesos, sueños ingenuos y reinvención personal. Mientras Sherrie y Drew intentan no perderse en un entorno que promete fama pero castiga la inocencia, Rock of Ages construye un relato de ascenso, caída y reencuentro sostenido por himnos de estadio y una energía deliberadamente desmesurada.

Rock of Ages es una película que entiende muy bien cuál es su principal baza: la celebración despreocupada del rock comercial de los años ochenta como espectáculo, pose y fantasía. Adam Shankman no intenta disfrazar el material ni convertirlo en algo más prestigioso de lo que es. Su apuesta consiste en tomar la energía del musical de Broadway, llevarla a una escala más vistosa y confiar en que el repertorio haga buena parte del trabajo emocional. Cuando esa estrategia encaja, la película resulta contagiosa, colorista y francamente divertida.

Lo más eficaz del conjunto es su capacidad para asumir el artificio sin complejos. Los decorados, el vestuario, la iluminación y la puesta en escena dibujan un Sunset Strip casi mitológico, menos interesado en la precisión histórica que en la evocación de una memoria pop compartida. Todo está amplificado: los peinados, la sensualidad, los conflictos y hasta la inocencia de sus protagonistas. Esa exageración puede jugar en su contra cuando el guion fuerza algunos giros, pero también define el encanto del film y su voluntad de funcionar como fantasía musical antes que como drama realista.

Julianne Hough y Diego Boneta sostienen con corrección la línea romántica central. Los dos transmiten simpatía, juventud y un entusiasmo muy útil para que la historia avance con ligereza, aunque sus personajes estén escritos de un modo bastante convencional. Son, en el fondo, los vehículos emocionales de una película coral que se vuelve más interesante cuando deja espacio a sus secundarios y al choque de energías entre figuras muy distintas. La química entre ambos funciona mejor en los momentos musicales que en los puramente dramáticos, pero eso encaja con la lógica interna de la propuesta.

Y es ahí donde aparece Tom Cruise para elevar el material cada vez que entra en escena. Su Stacee Jaxx está construido como una mezcla de estrella decadente, depredador narcisista y caricatura glam, pero Cruise le aporta tanta convicción física y tanta presencia que termina convirtiéndose en el centro magnético de la película. No solo domina el encuadre: también entiende el tono exacto de este universo, a medio camino entre la parodia cariñosa y el homenaje desatado. Su trabajo aporta descaro, humor y un punto de riesgo que el film necesita para no acomodarse en la mera nostalgia.

También suman Russell Brand y Alec Baldwin, cuya dinámica aporta una veta cómica amable y una dimensión afectiva inesperada. Catherine Zeta-Jones, por su parte, se entrega a su papel con la intensidad necesaria para que el bando conservador del relato no se quede sin energía escénica. Mary J. Blige añade autoridad y calidez, mientras Paul Giamatti aporta el cinismo empresarial oportuno. Ninguno de estos personajes está desarrollado con gran profundidad, pero casi todos tienen al menos un momento que justifica su presencia dentro del engranaje.

Donde la película muestra más debilidad es en el libreto. La narración encadena varios tópicos del ascenso y caída, simplifica transiciones emocionales y en ocasiones sacrifica coherencia por impulso festivo. No siempre encuentra un equilibrio entre la historia romántica, la sátira del negocio musical y el desfile de números. Aun así, su mejor defensa está en que rara vez pretende ser otra cosa. Rock of Ages vive del placer inmediato, de la iconografía, del karaoke de lujo y del impulso de cantar con ella. Como adaptación puede ser irregular; como fiesta musical desenfadada, sigue teniendo suficiente personalidad para entretener con ganas.