A cualquier otro lugar (1999)

Adele August siente que su vida se ha quedado atrapada en un callejón sin salida y decide huir con su hija Ann hacia California, convencida de que allí las espera una existencia más brillante. El problema es que Adele no es una mujer previsible ni estable: vive guiada por la improvisación, por una mezcla de entusiasmo, fantasía y negación que convierte cada desplazamiento en una promesa y cada promesa en una posible decepción.

Ann, mucho más lúcida y contenida, observa con creciente distancia la conducta de su madre. Aspira a estudiar, encontrar una vida propia y escapar de ese torbellino emocional que la obliga a madurar demasiado pronto. Mientras atraviesan moteles, trabajos precarios, nuevas relaciones y continuas mudanzas, la película retrata la tensión entre el deseo de protección y la necesidad de separarse.

Wayne Wang filma la historia como una comedia dramática de crecimiento marcada por la fricción generacional. Susan Sarandon y Natalie Portman sostienen el centro del relato con interpretaciones llenas de matices: una da forma a una mujer encantadora y exasperante a partes iguales; la otra encarna la inteligencia herida de una joven que ama a su madre incluso cuando necesita poner distancia. Basada en la novela de Mona Simpson, la película habla de identidad, de la idealización del futuro y de las familias en las que el amor existe, pero rara vez se manifiesta de manera serena. Su fuerza nace precisamente de esa mezcla de ternura, frustración y verdad emocional.

A cualquier otro lugar encuentra su fuerza en algo que el cine sobre madres e hijas no siempre logra: la negativa a simplificar. Wayne Wang dirige una película que podría haberse resuelto como drama de aprendizaje convencional o como comedia amarga sobre una madre caótica, pero prefiere instalarse en un terreno mucho más rico. Aquí nadie queda reducido a función narrativa. Adele no es solo una madre irresponsable ni Ann solo una adolescente prematuramente madura. Son dos personas atrapadas en una intimidad intensa, amorosa y a menudo destructiva.

Susan Sarandon hace un trabajo magnífico. Su Adele August posee una energía que seduce y agota al mismo tiempo. Es encantadora, imaginativa, capaz de inventar futuro donde apenas hay suelo firme, pero también profundamente narcisista, impulsiva y ciega al coste emocional de sus decisiones. Sarandon evita el juicio y eso vuelve al personaje más interesante. Nunca la protege, pero tampoco la ridiculiza. La deja existir en toda su mezcla de ternura, egoísmo, fragilidad y desesperación.

Natalie Portman encuentra el tono exacto para Ann, que no consiste en la rebeldía escandalosa ni en la virtud solemne, sino en una lucidez dolorosa. Ann ve demasiado. Entiende que su madre es incapaz de ofrecer estabilidad, y al mismo tiempo sabe que romper del todo con ella significaría traicionar una forma intensa, aunque imperfecta, de amor. Portman transmite muy bien esa contradicción. Su personaje quiere escapar, pero no puede hacerlo sin culpa.

La película se mueve con inteligencia entre lo episódico y lo emocional. No necesita una trama sofisticada porque su verdadero interés está en los desplazamientos afectivos. Moteles, trabajos temporales, amores pasajeros y promesas imposibles forman parte de una deriva en la que lo importante no es tanto llegar a California como comprobar qué queda del vínculo cuando el viaje deja de ser aventura y se convierte en patrón de vida.

Wayne Wang dirige con discreción, sin forzar la lágrima ni subrayar cada roce emocional. Esa modestia formal beneficia mucho al relato. Roger Deakins aporta una fotografía limpia y cálida que evita el artificio, y Danny Elfman compone una música contenida, menos exuberante de lo habitual en él, muy útil para acompañar una película que vive de los matices. Todo está al servicio de las interpretaciones y de la verdad emocional de los conflictos.

Es cierto que el film puede parecer algo irregular en su segunda mitad, cuando ciertos elementos románticos o secundarios no tienen siempre la misma intensidad que el núcleo madre-hija. Pero incluso en esos momentos, la película conserva interés porque nunca pierde de vista lo esencial: la dificultad de amar a alguien que también te hiere, la necesidad de apartarte de quien te formó y la culpa que acompaña ese gesto.

A cualquier otro lugar no idealiza la maternidad ni la independencia. Entiende que crecer a veces significa decepcionar a quien uno ama y aceptar que el afecto no garantiza equilibrio. Ese realismo emocional la vuelve más valiosa que muchas películas más vistosas. Gracias al duelo interpretativo entre Sarandon y Portman, el film alcanza una honestidad poco habitual. No ofrece reconciliaciones fáciles ni condenas terminantes. Ofrece algo mejor: la sensación de estar viendo personas reconocibles, contradictorias y, por eso mismo, profundamente vivas.