Chicago (2002)

Chicago transforma el crimen en espectáculo y el espectáculo en mercancía emocional. En la ciudad del jazz, la ambición de Roxie Hart parece condenada a la mediocridad hasta que un asesinato la coloca en el centro de la atención pública. Lo que debería hundirla acaba convirtiéndose en una oportunidad inesperada: periódicos, rumores y tribunales alimentan una maquinaria de celebridad que premia más la imagen que la verdad.

En la cárcel conoce a Velma Kelly, estrella caída del vodevil y rival inmediata, y ambas quedan bajo la órbita de Billy Flynn, abogado brillante y manipulador que entiende la justicia como una función escénica. A su alrededor, Mama Morton gestiona el flujo de favores, sobornos y apariencias con la misma soltura con la que administra las emociones de sus reclusas. Mientras tanto, Amos Hart, el marido de Roxie, se convierte en víctima silenciosa de una historia donde la inocencia importa menos que la capacidad para dominar la narrativa.

La película mezcla realidad y fantasía escénica para mostrar cómo cada juicio, entrevista y confesión adopta la forma de un número musical. Así, Chicago no solo cuenta una historia de asesinatos y oportunismo, sino también una sátira feroz sobre el deseo de reconocimiento, la corrupción mediática y la fragilidad de la verdad en una cultura obsesionada con la fama. Bajo el brillo del espectáculo late una visión amarga: en este mundo, quien mejor actúa tiene más opciones de sobrevivir.

Chicago no se limita a resucitar el musical para el gran público; lo reintroduce con una inteligencia formal que evita la nostalgia vacía. Rob Marshall entiende que la mejor manera de adaptar un título tan teatral no es fingir que deja de serlo, sino convertir esa condición en el motor mismo de la puesta en escena. La película no oculta su artificio: lo celebra, lo coreografía y lo vuelve discurso. Cada canción, cada transición y cada mirada a cámara forman parte de una maquinaria donde la representación no adorna la historia, sino que la explica.

Su gran hallazgo consiste en fundir la fantasía escénica con la subjetividad de Roxie Hart. Los números musicales no son simples interrupciones ni ilustraciones literales, sino la traducción visual de una sociedad que ha convertido el crimen, el juicio y la fama en un mismo escenario. El montaje alterna el mundo “real” y el mundo performativo con una precisión admirable, logrando que el espectáculo avance la narración en lugar de detenerla. Esa fluidez, nada fácil en el musical cinematográfico moderno, da a Chicago una energía casi insolente.

Renée Zellweger encuentra en Roxie un equilibrio muy fino entre ingenuidad calculada, hambre de reconocimiento y comicidad amarga. Nunca la convierte en mártir, pero tampoco la reduce a caricatura. Catherine Zeta-Jones, por su parte, firma una Velma Kelly deslumbrante, llena de control, ironía y presencia física. Su actuación tiene el brillo del gran número y la conciencia amarga de quien sabe que el talento, por sí solo, no garantiza el foco. Richard Gere sorprende al apropiarse del cinismo elegante de Billy Flynn, mientras Queen Latifah impone autoridad escénica con una naturalidad apabullante. Incluso John C. Reilly, en el papel menos vistoso, aporta una nota de humanidad doliente que impide que la película quede atrapada en la pura brillantez exterior.

El trabajo visual de Chicago es decisivo. La fotografía de Dion Beebe, el vestuario de Colleen Atwood y la dirección artística levantan un universo de brillo decadente que nunca se siente museístico. No se trata de reproducir los años veinte con reverencia académica, sino de filtrarlos a través de una sensibilidad escénica, sensual y mordaz. Martin Walsh monta el conjunto con un ritmo extraordinario, comprimiendo números, gags y cambios de tono sin perder claridad. Hay secuencias, como “Cell Block Tango” o “We Both Reached for the Gun”, que siguen siendo ejemplos modélicos de cómo pensar un musical desde el lenguaje del cine.

También ayuda que la película sepa exactamente cuál es su veneno. Detrás del brillo, Chicago es una sátira feroz sobre la fabricación mediática del escándalo, la corrupción del sistema judicial y el apetito del público por las mentiras mejor presentadas. Lo admirable es que nunca convierte esa crítica en sermón. La vuelve placer, ritmo, espectáculo. Hace que el espectador disfrute del mecanismo al mismo tiempo que reconoce su podredumbre.

Pocas adaptaciones musicales han resultado tan seguras, tan ágiles y tan conscientes de su propia teatralidad. Chicago es elegante, cruel, divertida y técnicamente deslumbrante. No solo ganó prestigio por sus premios: se lo ganó porque supo demostrar que el musical podía volver a ser cine grande, popular y formalmente audaz al mismo tiempo.