Érase una vez en... Hollywood (2019)

En el verano de 1969, Hollywood vive un momento de mutación cultural y generacional. Rick Dalton, actor que conoció cierta fama en la televisión del oeste, empieza a sentir que su carrera se deshace a medida que la industria se transforma y los viejos referentes pierden peso. A su lado permanece Cliff Booth, doble de acción, chófer, asistente y amigo incondicional, un hombre de pasado ambiguo cuya calma irónica contrasta con la ansiedad creciente de Rick. Juntos recorren una ciudad suspendida entre el esplendor y la decadencia, intentando adaptarse a un mundo que ya no parece hecho para ellos.

Mientras Rick busca oportunidades en rodajes, reuniones y papeles cada vez menos prestigiosos, la película observa también la vida de Sharon Tate, figura luminosa de un Hollywood más joven, libre y aparentemente intacto. Tarantino entrelaza así distintos espacios de la ciudad, desde sets televisivos y cines hasta mansiones, carreteras y ranchos apartados, para construir una evocación muy detallada de una época concreta. El relato no se apoya en una intriga clásica, sino en una deriva de encuentros, rutinas y tensiones soterradas que poco a poco van cargándose de sentido histórico.

Érase una vez en... Hollywood transforma esa reconstrucción del pasado en una reflexión sobre el final de una era, el peso de los mitos y la posibilidad de que el cine reescriba la memoria. Bajo su tono relajado, nostálgico y a veces cómico, late una conciencia trágica vinculada a los crímenes de la familia Manson y a la fragilidad de todo aquello que parecía brillante. La película se mueve así entre la fábula, la elegía y la fantasía revisionista para convertir la nostalgia en un acto imaginativo de resistencia.

Érase una vez en... Hollywood es una de las películas más libres y sentimentales de Quentin Tarantino. Aunque mantiene sus marcas reconocibles —el gusto por los diálogos prolongados, la tensión que se cocina lentamente, la cultura popular convertida en materia narrativa y la violencia como estallido final—, aquí todo aparece filtrado por una melancolía inusual. Más que construir un mecanismo de suspense puro o una máquina de venganza, Tarantino filma una ciudad, una época y una sensación de pérdida. Su mirada ya no es solo cinéfila; es también elegíaca.

La película acierta al no reducirse a una simple reconstrucción de los crímenes de 1969. En lugar de eso, levanta un fresco muy detallado del ecosistema hollywoodiense de finales de los sesenta, cuando el viejo star system convivía de manera incómoda con nuevas formas de cine, de actuación y de sensibilidad cultural. Rick Dalton y Cliff Booth funcionan como dos figuras desajustadas dentro de ese paisaje: uno representa el miedo al olvido profesional; el otro, una forma de masculinidad casi espectral que parece sobrevivir fuera del tiempo. Juntos componen una amistad magnífica, hecha de lealtad, ironía y dependencia mutua.

Leonardo DiCaprio ofrece uno de sus trabajos más ricos y divertidos. Su Rick Dalton está lleno de inseguridad, vanidad, talento herido y necesidad de ser querido. Brad Pitt, en cambio, encuentra en Cliff Booth un personaje casi mítico, relajado y amenazador a la vez, cuya tranquilidad parece contener siempre una violencia latente. La química entre ambos sostiene buena parte del film, porque Tarantino entiende que la película no va solo de Hollywood, sino también de una relación masculina definida por el afecto sin sentimentalismo explícito. Margot Robbie, por su parte, encarna a Sharon Tate desde la ligereza, la presencia luminosa y una ternura cotidiana que la alejan del tratamiento puramente iconográfico.

En lo formal, la película es una celebración del detalle. Los coches, los carteles, la radio, los decorados televisivos, los restaurantes y los cines no están ahí como simple ornamentación; forman una textura viva que convierte Los Ángeles en un personaje más. La fotografía de Robert Richardson y el diseño de producción encabezado por Barbara Ling son decisivos para esa inmersión. Tarantino rueda con paciencia, se permite rodeos y parece disfrutar del tiempo muerto, como si supiera que la verdadera emoción está en contemplar un mundo antes de su desaparición.

Esa deriva contemplativa puede desconcertar a quien espere una narración más compacta o una progresión más marcada. Durante largos tramos, la película avanza por acumulación de escenas, encuentros y sensaciones más que por una intriga convencional. Pero precisamente ahí reside su fuerza: en la confianza de que el cine puede construir densidad emocional sin depender siempre de una trama tensa. Cuando llega el desenlace, esa acumulación encuentra una forma explosiva y, al mismo tiempo, profundamente conmovedora de sentido.

Érase una vez en... Hollywood es un gesto de amor hacia un cine, una ciudad y unas figuras condenadas a convertirse en fantasmas. Tarantino no se limita a recordar; imagina otra posibilidad, otra memoria, otra herida cerrada de manera imposible. El resultado es una obra cálida, irregular por momentos, pero extraordinariamente rica en matices, humor y emoción. Una película grande no solo por su virtuosismo, sino por la delicadeza con la que entiende que toda nostalgia es también una forma de duelo.