Tommaso (2019)

Tommaso sigue a un artista estadounidense que vive en Roma con su pareja europea y su hija pequeña. Desde fuera, su vida parece encaminada hacia una rutina apacible: clases, paseos, trabajo creativo y un entorno urbano de enorme belleza. Sin embargo, bajo esa superficie cotidiana se acumulan tensiones íntimas que transforman cada gesto en un terreno de inestabilidad emocional.

Abel Ferrara acompaña a su protagonista en un flujo de experiencias donde conviven la disciplina de la recuperación, la espiritualidad, los impulsos sexuales, la paranoia, los celos y el deseo de controlar una existencia que siempre amenaza con abrirse en varias direcciones a la vez. La película no avanza como un drama de conflicto tradicional, sino como una inmersión en la conciencia de un hombre que observa su propia fragilidad mientras intenta seguir funcionando.

La frontera entre ficción, confesión y autorretrato se vuelve deliberadamente borrosa. Esa condición semiautobiográfica convierte a Tommaso en una obra de una intimidad incómoda, donde Willem Dafoe presta cuerpo y voz a un personaje atravesado por dudas, fantasías y contradicciones. Roma aparece entonces no solo como escenario, sino como espacio mental y afectivo. Entre escenas domésticas, talleres de interpretación, irrupciones visionarias y momentos de ternura, la película compone el retrato fragmentado de un hombre que busca alguna forma de verdad en medio del desorden interior.

Tommaso es una película pequeña en apariencia, pero emocionalmente abrasiva. Abel Ferrara vuelve a uno de los territorios que mejor conoce: el de los hombres desgarrados por sus impulsos, su fe, su culpa y su necesidad de encontrar una forma de redención. La diferencia aquí es que todo parece aún más desnudo. La dimensión semiautobiográfica del proyecto no funciona como reclamo externo, sino como una corriente subterránea que impregna cada escena de una vulnerabilidad muy particular.

Willem Dafoe sostiene el film con una entrega admirable. Su trabajo no consiste en imponer una gran transformación visible, sino en dejar que las grietas del personaje emerjan en lo cotidiano: en la manera de escuchar, de contener la ira, de desplazarse por la casa, de mirar a su hija o de descomponerse cuando la imaginación toma el mando. Es una interpretación muy fina, hecha de tensiones pequeñas y explosiones repentinas, ideal para una película que entiende el desorden interior como una vibración constante.

Ferrara elige una puesta en escena aparentemente ligera, cercana al diario filmado, pero esa ligereza es engañosa. Bajo la espontaneidad de muchos momentos hay una construcción muy precisa del malestar. La vida doméstica, las clases de interpretación, la ciudad de Roma y las incursiones oníricas se articulan como fragmentos de una identidad en conflicto. No se trata de explicar al personaje, sino de convivir con su inestabilidad.

Esa libertad formal puede resultar desconcertante para una parte del público. Tommaso no responde a una dramaturgia clásica de causa y efecto, ni se preocupa demasiado por ofrecer puntos de apoyo cómodos. Avanza por acumulación, por asociaciones emocionales, por desvíos que de pronto revelan algo esencial. Quien entre en esa frecuencia encontrará una película muy viva, casi táctil en su manera de registrar pensamientos, deseos y temores. Quien espere una narración más cerrada quizá la perciba como dispersa.

Uno de los elementos más valiosos del film es su forma de trabajar la intimidad sin embellecerla. La convivencia de la pareja, la relación con la hija, los momentos de creatividad y las recaídas imaginarias o emocionales están filmados con una mezcla extraña de ternura y crudeza. Ferrara no protege a su alter ego, pero tampoco lo juzga desde fuera. Se limita a exponerlo.

La presencia de Cristina Chiriac y Anna Ferrara añade una capa especialmente delicada al conjunto, porque refuerza la impresión de proximidad entre vida y ficción. Peter Zeitlinger fotografía Roma con una calidez que nunca cae en la postal; la ciudad aparece habitada, respirada, convertida en espacio cotidiano antes que en decorado monumental. La música de Joe Delia acompaña sin invadir, dejando que la textura emocional del film se construya sobre todo en silencios, respiraciones y rupturas.

Tommaso no busca ser complaciente ni redonda. Es una obra áspera, a ratos incómoda, incluso caprichosa. Pero esa misma exposición es su valor. Ferrara convierte la fragilidad masculina, el deseo, la culpa y la imposibilidad de ordenar la propia vida en materia cinematográfica inmediata. Más que contar una historia, abre una herida y nos invita a mirar dentro. El resultado puede ser irregular, pero tiene una honestidad feroz que muy pocas películas contemporáneas se atreven a sostener hasta el final.