Plenty (1985)

Susan Traherne vive durante la Segunda Guerra Mundial una experiencia de riesgo, deseo y sentido como colaboradora de la Resistencia. Ese instante de intensidad queda fijado en su memoria como una medida imposible para todo lo que vendrá después.

De regreso a Inglaterra, Susan intenta adaptarse a empleos, relaciones y convenciones sociales que le parecen estrechas. Su matrimonio, sus amistades y su contacto con el mundo diplomático revelan una fractura creciente entre la promesa de libertad que creyó conquistar y la realidad gris de la posguerra.

Plenty retrata una insatisfacción corrosiva sin suavizar sus aristas. La protagonista puede resultar brillante, cruel, vulnerable y autodestructiva en una misma escena. La película no ofrece respuestas fáciles: observa cómo una época que prometía abundancia termina produciendo vacío, y cómo una mujer se niega a fingir gratitud ante una vida que no reconoce como propia.

Plenty funciona mejor cuando entiende que su verdadero conflicto no está solo en los hechos que narra, sino en la manera en que esos hechos deforman la vida íntima de sus personajes. La película avanza desde una premisa reconocible hacia un territorio moral más incómodo, donde las decisiones rara vez son limpias y donde incluso los gestos más pequeños parecen cargados de consecuencias.

Su mayor virtud está en la atención al comportamiento. Las miradas, las pausas y las conversaciones aparentemente laterales construyen un retrato más elocuente que cualquier explicación subrayada. La puesta en escena confía en los intérpretes y permite que las contradicciones respiren: hay fragilidad, orgullo, deseo de independencia y también una obstinación que puede resultar dolorosa para quienes rodean a la protagonista.

Meryl Streep sostiene el centro dramático con una composición llena de matices. No busca únicamente la simpatía del espectador, sino una verdad más escurridiza. Su personaje puede ser admirable, irritante o profundamente vulnerable, a veces dentro de la misma secuencia. Esa ambivalencia da espesor a la película y evita que el relato quede reducido a una tesis simple.

El trabajo de dirección apuesta por una elegancia sobria. No todas las escenas tienen la misma intensidad, y en algunos tramos el ritmo se resiente por una voluntad de abarcar demasiados matices. Sin embargo, esa irregularidad también forma parte de su atractivo: la película se mueve como una memoria emocional, con momentos de nitidez y otros de distancia, como si la experiencia solo pudiera comprenderse parcialmente.

También resulta valiosa la manera en que el guion relaciona lo personal con un contexto social más amplio. Los espacios, las profesiones, las normas de clase o de pareja y la presión del entorno no aparecen como simple decorado, sino como fuerzas que condicionan el margen de libertad de los personajes. La intimidad nunca está aislada del mundo.

Puede discutirse su temperatura dramática: hay espectadores que echarán de menos una progresión más contundente o una resolución más cerrada. Pero esa negativa a simplificar es precisamente lo que la mantiene viva. En lugar de ofrecer una moraleja cómoda, propone una experiencia adulta, marcada por la pérdida de ilusiones y por la dificultad de vivir de acuerdo con una idea propia de dignidad.